Weblog de Natalia

Hojeando el portal ARCO sobre arte contemporáneo me paré a leer un artículo escrito a mediados de junio en el cual se habla de las relaciones entre el arte y la red. La verdad es que en un principio lo que me llamó la atención fue más que nada el concepto de net-art, ya que no me imaginaba muy bien lo que quería decir o a lo que aludía.

Para el autor del libro, el “net art” representa un proyecto de “síntesis” entre la modernidad asociada con las nuevas tecnologías de la producción y la posmodernidad y las nuevas tecnologías de reproducción: “Escribir sobre arte en Internet -sostiene el autor- es intentar fijar en palabras un proteico y altamente inestable fenómeno. Un arte que está inextricablemente unido al desarrollo del propio Internet”. ¿Vosotros que opináis? ¿Creéis que escribir sobre arte en internet o dar nuestra opinión sobre él en este medio tecnológico ya es de por sí net-art?. Esta fue la primera pregunta que me planteé y me gustaría saber qué pensáis vosotros, ya que al igual que en los primeros días de esta asignatura hubo diferentes opiniones acerca de que "hacer arte no lo hace cualquiera", entonces ¿no todos podemos escribir sobre el arte?.

Ahí va el artículo entero para los que queráis más información: http://www.arco.ifema.es

14-06-2005
Internet Art. The Online Clash of Culture and Comerce


Julian Stallabrass. Tate Publishing, Londres, 2003, 165 páginas. El libro del escritor y crítico de arte británico Julian Stallabrass, Internet Art. The Online Clash of Culture and Comerce se inicia constatando la contenciosa relación entre el mundo del arte y la cultura activista “on line” con un incidente ocurrido en la Whitney Bienal de Nueva York en el año 2000 en la que el grupo activista “on line” RTMark (pronunciado Art –mark) , burlando el valor de su participación en la bienal, sustituyó su página web escogida por los organizadores de la Bienal por otra página con documentos enviados por el público en los que se buscaba cuestionar abiertamente los comportamientos corporativistas. Los miembros del colectivo usaron también eBay, el lugar de subastas en la red, para vender cuatro tickets de una recepción privada de la Bienal por la cantidad de 8.400 dólares, cantidad que usaron para sufragar sus proyectos subversivos. Este cruce de intereses entre el campo de la cultura y el del comercio es el que, a juicio del crítico de inglés, ilustra con mayor rotundidad las relaciones entre el arte en la red y el mundo del arte con todos sus agentes, entre ellos el comercial. También explicaría los intentos de las instituciones artísticas de “cooptar” ingredientes del carácter hiper-moderno y democrático de esta cultura “marginal” elevándola a la categoría de “arte” más allá de las elitistas y arcaicas prácticas materiales así como de sus obsoletos sistemas de intercambio y comunicación. A partir de estos argumentos Stallabrass diseña su particular historia del “net art” , definiendo su realidad específica no tanto como un espacio intersticial entre la cultura material y la inmaterial o a caballo entre el arte elevado y el arte popular sino en relación a aquellos componentes que le vinculan con el comercio, tanto el “on line” como el generado desde el “mainstream”. Para el autor, el “net art” representa un proyecto de “síntesis” entre la modernidad asociada con las nuevas tecnologías de la producción y la posmodernidad y las nuevas tecnologías de reproducción: “Escribir sobre arte en Internet -sostiene el autor- es intentar fijar en palabras un proteico y altamente inestable fenómeno. Un arte que está inextricablemente unido al desarrollo del propio Internet”. Un proyecto que aunque precisa del análisis de un buen número de emergentes tecnologías y cuerpos de conocimiento – desde la manipulación genética hasta las ciencias de la mente y en general teorías relativas a la fusión de los humanos con sus creaciones digitales- se acomete sólo desde su presente y su inmediato pasado. Dentro de un tono más descriptivo que polémico, al contrario que ocurre con otras publicaciones del autor como High Art Lite , un análisis del arte británico de los años noventa bajo el impacto de la exposición Sensation y del mecenas Saatchi, en los distintos capítulos del libro se plantean aspectos enormemente esclarecedores para describir este nuevo desafío que es Internet: incluyendo el estudio de la naturaleza de Internet ( que no es un medio, como la pintura, el grabado o el video sino un sistema de transmisión a base de “data” que simulan potencialmente todos los medios reproductivos), el análisis de las formas de arte dentro de esta vasta categoría más de naturaleza hipertextual que visual, la implosión del tiempo y el colapso del espacio, así como el potencial de las políticas “on line” hasta los nuevos formatos de colección tanto para instituciones como para individuales . Y en este nuevo modelo de cultura “on line” también tienen un lugar importante artistas como RTMark, I/O/D, Alexei Shulgin, Vuc Cosic, Maciej Wisniewski, Heath Bunting, Rachel Baker, Jodi, Thomson and Craighead, Olia Lialina, Mark Napier, Anna Best que se acogen a un discurso alternativo más próximo al anti-arte que al discurso canonizado de la historia del arte. Lejos pero de profundizar en las aportaciones de cada artista en particular el autor aporta información útil pero concisa y escasamente conceptualizada para los lectores no conocedores del tema. Y siempre en la convicción de gracias al “net art” que el arte podrá salir de su marginalidad por el hecho de abrazar la reproducibilidad. Para más información: Revista ARCO Arte Contemporáneo nº36

En este segundo proyecto tengo que decir que me ha encantado, no sólo por la idea que tuvimos sino también por lo que queríamos transmitir, además de la magnífica respuesta de los turistas y de la gente de la calle. La verdad es que el proyecto estuvo muy bien y personalmente me ha servido para comprender el valor de los ideales que un artista puede tener, es decir, que lo importante es que una vez que sepa lo que quiera que siga adelante con ello.
Por otra parte, gracias al proyecto también he podido ver lo efímero que resultan estas intervenciones en la naturaleza, tanto que la nuestra apenas duró dos días. No obstante, a mi modo de ver valió la pena y, salvo un pequeño incidente que tuvimos con los policías el resto fue una experiencia genial.

Como ya comentó un compañero del colectivo (Alberto) en el foro, resulta que el segundo día en reiteradas ocasiones dos guardias amablemente nos "invitaron" a retirar "aquello" del Obradoiro, que debíamos haber pedido permiso. Lo cierto es que habíamos pensado en ello pero como la intervención del montaje apenas duró dos horas pasamos por alto el tener que pedir autorización. En fin, que la magnífica respuesta de la gente y su interés compensa todo. Ya veréis las fotografías y el vídeo que hicimos, que a mi modo de ver quedó bien. Ah, y no os perdáis la reacción de algunas personas... dignas de grabarlas para el recuerdo.

Nacido en 1942, integrante del Equipo Crónica entre 1964 y 1981, el pintor, escultor, dibujante y grabador valenciano, considerado uno de los "artistas fundamentales" de la generación que comenzó a trabajar en la última etapa del franquismo, es hoy uno de los españoles vivos más internacionales. Manolo Valdés inauguró ayer lunes sus últimas reflexiones sobre las 'Meninas': un conjunto escultórico monumental con vocación itinerante creado inicialmente para ser expuesto en los jardines del Palais Royal de París.

En representación del Gobierno francés, que hace cuatro años encargó la serie al pintor y escultor valenciano afincado en Nueva York, el ministro francés de Cultura, Renaud Donnedieu de Vabres, glosó el trabajo de este muy gran artista europeo. "Es un raro privilegio poder contemplar este espectáculo durante más de un mes en un jardín que parece hecho para acogerlos", destacó el ministro al inaugurar la exhibición junto con su autor y numerosas personalidades francesas y españolas del arte, la cultura y la política. Donnedieu de Vabres resaltó, asimismo, su entusiasmo al contemplar la excelente acogida que el público brindó a las nueve "Reinas Marianas" y las doce "Infantas Margaritas" de Valdés desde el inicio de su instalación.

Distribuidas en cuatro grupos escultóricos de entre 850 y 220 kilos, estas veintiuna "Meninas" de bronce podrán contemplarse en Zúrich (Suiza) entre julio y septiembre próximos y en la Fundación Príncipe de Asturias de Oviedo (España) entre octubre y diciembre de este año. El que París sea la primera etapa de este paseo a través de Europa fue celebrado de manera especial por el ministro francés, quien resaltó ese "carácter familiar, que incita a detenerse" y "percibir todo el encanto" de la historia del arte en movimiento, a través de estas "figuras emblemáticas y el homenaje a Velázquez".

Visiblemente feliz, Manolo Valdés agradeció la invitación de las autoridades francesas, así como el trato recibido desde que le encargaron esta exposición en 2001, cuando mostraba en esos mismos jardines "La dama" -su no menos monumental interpretación de "La dama de Elche"- en una exposición colectiva de artistas españoles.

Para esta ocasión, el artista dijo haber decidido desde el primer momento que las figuras iban a ser las "Meninas", aunque dudó al principio "si cada escultura iba a ser diferente o no", y luego optó por distribuir varios grupos escultóricos en cuatro formatos diferentes y colocar en fila india dos de ellos, en busca de un efecto óptico que les hace parecer cada vez más grandes.

Pese a su vocación viajera, estas "Meninas" tienen unas dimensiones considerables, en especial las cinco "Infantas Margaritas" del "segundo grupo escultórico", que miden 200 por 200 por 140 centímetros y pesan cada una 850 kilos.

Compartirán igualmente su verano con miles de parisienses tres grandes "Reinas Marianas", de 240 por 195 por 120 centímetros, y ochocientos kilos cada una; seis "Reinas Marianas" más, de 170 por 127 por 92 centímetros y 220 kilos, y otras siete "Infantas Margaritas", de 123 por 102 por 67 centímetros y 220 kilos.

La imagen de "Las Meninas" de Velázquez, es una de las que inspira al artista español desde hace años, pues la considera como una obra de su repertorio, a la que vuelve siempre que cree poder mejorar o cambiar su manera de abordarla.

Hemos acabado el segundo proyecto de Educación Visual y Plástica y aunque no sé cómo opinarán los compañeros al verlo, lo que sí estoy es convencida de que nos ha costado tiempo una idea sólida para el proyecto pero creo que, finalmente, ha sido un trabajo original, participativo - como ya veréis - , y muy divertido. Sólo os puedo adelantar que hemos optado por un trabajo en la naturaleza con elementos ajenos a ella, aunque en ocasiones han participado partes del cuerpo. Por otra parte, también nos pusieron unas pocas trabas en el camino -¡nunca mejor dicho!- pero apuramos algo el trabajo y al final creo que salió bastante bien.

En cuanto al registro fotográfico del proceso, no sé si nos habremos pasado con las fotos porque ¡casi tenemos 100!. Nada más, el resto es una sorpresa...

Estamos ya en la recta final del curso, y en Educación Visual y Plástica mi colectivo y yo aún no sabemos con seguridad qué acción vamos a realizar en la naturaleza. Sabemos que existen tres posibilidades, hacer una intervención en la naturaleza con elementos propios de ella, hacer una intervención con elementos ajenos a la naturaleza o hacer una intervención con el cuerpo humano en la naturaleza. Aunque hemos estado viendo ejemplos de acciones de autores como Richard Long o Ibarrola no nos hemos decantado por nada en concreto, ya que pretendemos hacer algo original y no plagiar ninguna obra vista en clase por compañeros del año pasado.

Personalmente, a mí me gusta mucho el land-art, una corriente artística contemporánea llamada así porque sus creaciones usan el paisaje como soporte (escenario) o materia prima de la obra. El principio fundamental del
land-art es alterar, con un sentido artístico, la superficie de la Tierra. Muchas de estas obras tienen proporciones monumentales y la mayoría se realizan y ubican en sitios remotos, lejos de la mirada del espectador: en la ribera de un lago, en un escarpado paisaje rocoso, en una isla, en un campo abierto al pie de las montañas, en el bosque.

Una de las características que definen a esta corriente es que la mayoría de estas obras son efímeras, no sobreviven el paso del tiempo, pues desaparecen debido a la erosión del terreno, la lluvia, las mareas o porque el propio artista desarma su obra una vez cumplido su propósito. Muy pocas personas pueden observar directamente el land-art y sus obras quedan completamente fuera del circuito comercial; sólo llegan a ser conocidas por el público a través de registros fotográficos y fílmicos, mapas o dibujos que se exponen en museos y galerías, o se venden a coleccionistas privados. Esto provoca que el land-art permanezca dependiente del museo o galería para darse a conocer, a pesar de la decisión del artista de rechazar los espacios institucionales, cerrados o privados.

El land-art se inspira en la arquitectura antigua o los sitios sagrados del pasado más remoto, como son los monolitos o cuadrantes solares prehistóricos del tipo de Stonehenge, tumbas egipcias, montículos funerarios precolombinos, altares o marcas rituales a cielo abierto. Como en el arte primitivo, los diseños del Land art usan un mínimo de elementos expresivos y parten de trazos primarios: línea recta, zigzag, círculo, cuadrado, espiral, cruz. Como conclusión, puedo decir que a través de la simplicidad, los artistas del land-art exponen reflexiones profundas, sobre la relación entre el ser humano y la Naturaleza, entre el mundo trascendente y el mundo natural y a mí gustan precisamente por eso, porque aparte de ser distintas y originales también transmiten un sentido místico o misterioso.

Diversos particulares compraron ayer por la tarde 38 obras del norteamericano Andy Warhol por un valor total de 109.735 euros, en una subasta celebrada en la Casa Durán en la que se pujó por más de cien objetos relacionados con el Pop Art. Entre obras de Warhol, la que alcanzó el precio más elevado (18.000 euros) fue una conocida serigrafía de edición limitada titulada 'The Cow', firmada y dedicada en 1979, mientras que la serigrafía 'Santa Apolonia', de 1984, fue adjudicada por 7.000 euros.

Los siete lotes de las famosas 'Sopas Campbell's' del artista estadounidense, que despertaron una gran expectación entre los asistentes a la subasta, se adjudicaron todos por precios que oscilaron entre los 2.250 y los 4.000 euros. También suscitaron gran interés los diez grabados del artista dedicados a Marilyn Monroe, que salían a subasta por unos 600 euros cada uno, y que se vendieron a distintos particulares por un mínimo de 3.750 euros y un máximo de 6.000 euros.

Aunque la estrella de la subasta fue Warhol, también encontraron comprador la litografía 'Apocalypse VI', de Haring Keith, fechada en 1988, y que adquirió un particular por 11.000 euros, y el grabado 'Mirrors' del neoyorquino Roy Lichtenstein, que se subastó por 14.000. Sin embargo, no encontraron comprador otras de las obras destacadas en la subasta, como 'Fin de la primera parte' del Equipo Crónica, cuyo precio inicial era de 33.000 euros, o la obra 'Cosme y Damián' de Eduardo Arroyo, que salía por 22.500.

El cartel publicitario de Dalí, titulado 'Salvador Dalí pour la source Perrier', que partía inicialmente con un precio de sólo 250 euros, se quedó también sin vender. Además, se subastaron lujosos objetos de Pop Art, como por ejemplo, encendedores y estilográficas de Dupont con motivos de Andy Warhol, que se vendieron por un mínimo de 400 euros cada uno, y una colección de cuatro vitolas de puros con los rostros de los Beatles, firmadas por cada uno de ellos, que se adjudicó por 1.500 euros.

Completaban la subasta obras gráficas, posters litográficos y piezas firmadas y numeradas de artistas como Rauschenberg, Robert Indiana, Mel Ramos o Niki de Saint Phalle, entre otros. Parece que las obras de Dalí no corrieron la misma fortuna que Warhol y compañía ...

"Las Artes Plásticas son concebidas como lenguajes generadores de mensajes para transmitir cultura. La obra siempre lleva implícito el marco cultural y social donde fue gestada. El autor que le dio origen y trasmite ese mensaje, y la interpretación que la sociedad del momento realiza de la misma, hacen que a la obra se le otorgue un significado propio. Hoy es impensable diseñar, crear y hablar de realización artística sin la inclusión de las Nuevas Tecnologías en alguna de las fases de creación: Proyecto, Creación, Difusión.

Generar proyectos educativos que amplíen el marco referencial de nuestros alumnos, les permita acceder a creaciones de distintos artistas y maestros actuales y de otros tiempos. Ingresar en Internet para visitar museos y galerías de todo el mundo, abre un abanico hasta hace unos años increíble para docentes y alumnos. Ampliar el marco contextual desde el cual se comienza a crear. En el acto de creación, las nuevas tecnologías, acuden a facilitar dicho proceso. Agilizando, enriqueciendo y posibilitando otras vías modernas. Se constituyen en herramientas viables para la creación ya sea por sí mismas o en combinación con otras tradicionales.

En la fase de difusión, Internet y la Web explotan al máximo los espacios de exposición. Acercando comunidades y grupos por medio de la gran red mundial, nuestros alumnos pueden compartir experiencias de trabajos artísticos. Recibir en instantes las imágenes de pares residentes en el otro extremo del planeta y mostrar sus producciones al mundo entero. Promover las obras de arte creadas por los alumnos para dejar al descubierto la particular visión que poseen los chicos de su entorno: la escuela, la ciudad y la cultura de la sociedad en la que viven. Uno de los propósitos que perseguimos como docentes de arte, orientadores del aprendizaje de nuestros alumnos es el de ampliar la capacidad creadora. Capacidad que más allá de la creación del objeto artístico nos impulsa para encontrar nuevas propuestas a las ya existentes, a encontrarle soluciones novedosas a problemas antiguos, a resolver los acertijos de la vida en forma creativa. El primer propósito trae implícito impulsar la educación de seres íntegros, no fragmentados que estén capacitados para conformar una sociedad diversa, crítica y democrática. Entonces…no podemos dar la espalda al progreso y volverlo a favor de la creatividad".

He rescatado este fragmento de la página educa.ar (http://weblog.educ.ar/espacio_docente/plastica/archives/000661.php) porque me parece muy interesante lo que en él se dice. Estoy de acuerdo en que los alumnos deben poder acceder a las creaciones de diferentes artistas, así como que tengan la posibilidad de compartir sus trabajos artísticos en la red y sobre todo destaco la importancia de saber formarlos como personas diferentes unas de las otras, que desarrollen su capacidad imaginativa y sean críticos con lo que los rodea.

Después del tsunami que arrasó con miles de vidas humanas el pasado año, en las Islas Maldivas y Tailandia se está llevando a cabo una tarea cuyo objetivo es ayudar a los niños a olvidar la angustia vivida en esos momentos. Los profesores y profesoras locales recibieron un curso para trabajar efectivamente con la recuperación del estrés y el trauma. Los materiales han sido proporcionados por UNICEF y el programa ha sido supervisado por la Unidad de Apoyo Psicosocial del grupo de crisis del Gobierno de Maldivas.Así, a través de dibujos y fotografías los niños dan su visión sobre el tsunami que cambió sus vidas. Los niños y niñas que vivían allí han sido acogidos en islas vecinas debido a que sus casas fueron derribadas y meses después aún intentan recuperarse de la tragedia. Es un proceso largo, pero que se ve favorecido si se permite a los niños y niñas expresar sus emociones sobre lo sucedido. La pintura es uno de los mejores modos de hacerlo.

La exposición "Las Maldivas tras la Gran Ola: el tsunami a través de los ojos de los niños y niñas y cómo esta ayudando UNICEF", recorre Europa, Japón y Corea mostrando dibujos de niñas y niños de las islas. El 26 de marzo ha sido inaugurada en Praga. Giacomo Pirozzi, que ha estado dando cobertura fotográfica de la tragedia opina que el arte "es una manera ideal de retratar a través de los ojos de la infanvia el vivo sentimiento de horror y la enorme magnitud de lo que ha ocurrido". A simple vista, los dibujos aparentan reflejar poco más que los típicos paisajes de cielo y mar de Maldivas, pero en seguida se hace evidente que los niños y niñas han sido testigos de cada uno de los más dramáticos detalles del desastre, y así nos lo muestran. el arte se conforma así como una terapia, terapia que comenzó inmediatamente tras el desastre. Como ya dije al comienzo, los profesores asistieron a un curso para ayudar a los niños en su recuperación del estrés y el trauma.

Personalmente, veo bien estas iniciativas porque sabiendo las ventajas que tiene el arte para los niños y viendo cómo ello (expresar mediante dibujos lo que sintieron en ese momento, sus sentimientos, etc.) les puede ayudar a liberarse creo que es un paso adelante que siempre acabará repercutiendo para mejor.

Según una noticia que leí hoy en Internet, parece ser que un gracioso logró colar una obra falsa en el Museo Británico. Decía lo siguiente: "Banksy -el bromista del arte- hizo nuevamente de las suyas, colocó una obra falsa en el Museo Británico, titulada: "Hombre primitivo, camino del supermercado", esto, como parte de una exposición de arte romano. Banksy reveló el fraude en su página de internet en la que invita a tomarse una fotografiá con su obra". ¡Para que luego digan que los ingleses no tienen sentido del humor!

Este artista londinense que crea arte urbano y critica la la globalización es conocido como "el terror de los museos", ya no es la primera vez que hace algo así. De hecho, ha cruzado el charco y comienza a hacer estragos en Nueva York. Famoso por colarse en el Louvre o la Tate Gallery y colgar piezas suyas burlando las medidas de seguridad, sus últimas víctimas han sido el MOMA y el Metropolitan. En el primero colocó un cuadro de una lata de sopa de tomate y en el segundo, el retrato de una mujer con máscara antigua. Bansky no sólo entra sin problemas disfrazado, sino que tiene una página web en la que informa de sus fechorías. Como la que montó también en Nueva York, en el Museo de Historia Natural, al exhibir un escarabajo disecado armado con misiles en las alas y una antena parabólica como radar. Ello pone de manifiesto que a veces estos lugares no tienen las medidas tan rigurosas de seguridad como aparentan...

El Louvre es clave en la historia del "El código Da Vinci", ya que sigue la investigación de un profesor y una joven criptóloga que buscan descubrir el misterio que esconde la Mona Lisa, obra de Leonardo Da Vinci que es la principal atracción del lugar. Precisamente, el éxito de la novela provocó una oleada de nuevos visitantes, interesados en realizar el recorrido de los personajes de ficción.

El director Ron Howard (Una Mente Brillante) y los actores se instalarían en junio en el Museo del Louvre para comenzar a dar forma a la versión cinematográfica de El Código da Vinci, el best seller de Dan Brown. Como protagonistas confirmados, Tom Hanks hará el papel de profesor Robert Langdon, Jean Reno será un detective que lo persigue y la actriz francesa Audrey Tautou, que saltó a la fama por su interpretación en Amélie Poulain, interpretará el personaje de Sophie Neveu, una mujer francesa que investiga junto a Langdon.

Integrantes de la producción ya recorrieron el museo Louvre para buscar las localizaciones que especifica Brown en su libro. El rodaje del filme debería realizarse los martes (día de cierre semanal) y por las noches.Los estudios Sony Pictures han dicho que proyectan estrenar la película el 19 de mayo del 2006.

Este fin de semana pasado el Gobierno presentó las actividades de los museos y colecciones públicas de la ciudad de Vigo que se celebrarán con motivo del Día Internacional del Museo,según leí hoy en una noticia en el Metro. De esta manera, dede mañana martes hasta el sábado 21 los museos de la ciudad vivirán jornadas de puertas abiertas y acogerán actividades informativas y culturales, concursos, charlas, talleres y visitas guiadas. Particularmente, estoy de acuerdo con esta iniciativa porque además de dar a conocer los cambios que experimentaron los museos se difunden también las obras artísticas que éstos albergan.

Por lo poco que vi en televisión este fin de semana, se llevaron a cabo iniciativas similares con éxito en ciudades europeas como París, Londres o Roma. Por desgracia, yo sólo he estado de vacaciones en París, el verano pasado, pero una vez allí ni siquiera me pensé dos veces entrar en el Louvre porque era uno de los objetivos del viaje, además de visitar la característica Torre Eiffel,la catedral de Notre Dame,los campos Elíseos... Quizás lo que más llame la curiosidad de los visitantes sea su gratuidad, aspecto importante porque la cultura debería estar al alcance de todos y aunque el billete de entrada no sea excesivamente caro, lo cierto es que alguna vez te replanteas asistir. Sin embargo, es un paso adelante y puede que en exposiciones futuras los visitantes se animen a entrar sin estar condicionados por el precio. Algo es algo ...

Aquí estoy de nuevo, os daréis cuenta que uno de mis artistas favoritos es Picasso, un genio no sólo de la pintura, sino de otras muchas técnicas. Os facilito, aunque las podéis buscar vosotros mismos en un buscador cualquiera, enlaces a páginas oficiales de Picasso. Una de mis preferidas es la de la colección Eugenio Arias -quien en su momento fue un camarada en el exilio además de su barbero-. En ella, podemos acceder tanto a la obra gráfica como a los dibujos realizados por Picasso como a otras técnicas de las que hizo uso. Por otra parte, en la última que os ofrezco, es útil y muy práctica para ver la evolución de la obra picassiana, ya que sus obras están ordenadas cronológicamente.

fundación picasso
centre picasso
museo reina sofia
coleccion eugenio arias
picasso project

Espero que os sirvan de interés, un saludo.

En mi opinión, y después de haber leído los artículos colgados en la página de Ed. Visual y Pástica, puedo decir que el arte contemporáneo es uno de mis preferidos, además del Impresionismo y del Cubismo. La razón es que al principio me gustaba sin más y me llamaba mucho la atención, lo cual era bueno. Además de ser atrayente (y no raro como lo califican muchos) transmite un mensaje, toda manifestación contemporánea tiene un por qué, persigue un objetivo que está oculto y que debemos buscar.

Algunas obras contemporáneas que me gustan son las de autores como Manolo Valdés, Eugenio Granell, Seoane, Picasso, Miró, Picsso y Miró, entre otros. A partir de la semana que viene me propongo visitar algunos de los museos que tenemos en Santiago y que deberían ser más concurridos, ¿no?

Ya os contaré qué tal, saludos.

Es importante preguntarnos qué lugar ocupa la educación artística en nuestra escuela, no sólo como asignatura en sí misma, sino su presencia en un aprendizaje más integral y significativo. Según lo que vimos los primero días en clase de Ed. Visual y Plástica, puedo decir que el arte en el aula tiene numerosas ventajas y debemos inculcar a los alumnos el gusto por las manifestaciones artísticas, para que ellos puedan expresar sus sentimientos a través de ellas.

La educación artística es la educación de los sentimientos y por ello, es importante tomar en cuenta también este aspecto en el desarrollo de los alumnos. Tal vez sea repetitivo decir que tradicionalmente en el proceso de enseñanza-aprendizaje se ha puesto el acento en técnicas basadas en la repetición y la memorización en un eje vertical y, lamentablemente, se ha dejado de lado la expresión individual y creativa de las pequeñas personas que están a nuestro cargo.

Sobre todo, también considero interesante el hecho de hacerlos críticos frente a lo que ven, que comuniquen alos demás su opinión, sus sentimientos, lo que para ellos transmite una obra de arte determinada, un cuadro, escultura, etc. Y debido a la poca presencia que está teniendo la asignatura de Ed. Plástica (sobre todo si se aprovecha esa hora semanal para dar asignaturas como Matemáticas o Lengua, por ejemplo) en las escuelas ello debería cambiar y pasar a considerarla como indispensable dentro del curriculum.

Desde los primeros días se nos dijo en clase de Ed. Visual que íbamos a realizar como mínimo dos proyectos en Ed. Visual y por grupos, de igual forma que estábamos haciendo en Nuevas Tecnologías. Hablamos de nuestras concepciones acerca de lo qué es el arte y de lo que consideramos arte y no arte.
Personalmente y en contra de la gente que rechaza el arte actual, a mí me gusta. Bien es cierto que unas obras más que otras, pero en general yo apuesto por el arte contemporáneo. Por si no los leísteis aún, hay varios artículos en la página de la asignatura que tratan precisamente este tema de la contemporaneidad, así que podéis comentar qué os parecen. En conclusión: no rechacemos el arte actual!!

Como sabéis, en el weblog vamos a tratar tanto cuestiones relacionadas con las Nuevas Tecnologías Aplicadas a la Educación como con la Didáctica de la Educación Visual y Plástica.
Esta semana, concretamente el lunes, la profesora de Ed. Visual (Mª Jesús Agra) nos comentó que ya podíamos ir incluyendo cosas de la asignatura en el weblog que compartiríamos con Nuevas Tecnologías. Yo he ido buscando imágenes para incluir en la historia personal y debo reconocer que aún me queda mucho por hacer porque, al contrario que en el primer cuatrimestre, ahora tenemos que hacer más trabajos, exposiciones, presentaciones, etc. En fin, que sacaremos tiempo de donde podamos, porque con intención e interés todo se puede hacer, ¿no?

He escogido una imagen de la Gioconda porque es un cuadro que me encanta, y más desde que lo vi en persona el año pasado. Por cierto, en el Louvre lo han colocado en un sitio mejor, ¡que ya era hora!